在中国的历史长河中，绘画艺术作为一种重要的文化传承方式，不仅体现了时代精神，更是反映了社会经济发展水平和民族文化特征。从唐代以后的文人墨客到宋、元、明、清四朝，中国画坛上涌现出了无数杰出的画家，他们不仅技艺精湛，更是文学和哲学的集大成者。在这段时间里，中国画发生了巨大的飞跃，形成了一系列独具特色的风格和技法，这些都为后世留下了宝贵的遗产。

1. 宋代：书卷气与山水田园

宋代是中国古典文学鼎盛时期，同时也是书法之美的一次高峰。北宋时期，以苏轼为代表的“苏门四子”（包括黄庭坚、米芾等），他们将诗词与绘画相结合，使得书卷气在山水田园之间流淌。这种融合不仅增添了绘画的情感色彩，也使得山水景物更加生动活泼。

2. 元代：草创新意与色彩运用

元代虽然政治上处于外来统治，但是在文化艺术领域，却有着自己的特色。李诫等人提倡“草创”，即主张尽量多地使用自然界中的草本植物作为题材。这一趋势带来了对色彩运用的创新，以及对自然界细节描写的手法，对后世影响深远。

3. 明代：追求真实与严谨工夫

明朝重视功利主义思想，在绘画方面也体现出来。朱耷等人的作品追求真实性，不断强调“工夫”，即通过不断练习提高技术水平，使得每一幅作品都充满着严谨而又精致的气息。这一阶段还出现了著名的大师如郑板桥，他不仅擅长国术，还能在简单的字迹间透露出深厚的人生哲理。

4. 清代：复古回归与个性化探索

清初兴起复古运动，对前两千年尤其是唐宋时期产生极大的影响。一时间，“仿古”的风潮席卷整个社会，而在此背景下，一批新的个性化作家崭露头角，如桂萍、何香凝，她们各自有不同的艺术世界，即便是在仿古之中也不乏个人特色，从而开启了一条新的艺术道路。

总结：

从宋至清，这一千余年的时间里，无论是在形式还是内容上，都见证了中国绘画艺术的一次次伟大变革，每一个时代都有自己独特的声音，而这些声音汇聚起来，就构成了我们今天所看到的大师级别作品。在这个过程中，我们也看到了不同朝代对于历史传承以及个人探索之间错位平衡的情况。这正是中华民族几千年的智慧和努力最直接的体现，是我们学习和欣赏当下的基础之一。